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NO ES SÓLO para estuches, camisetas y pantalones, U(F)Os y otras reflexiones sobre arte generativo

Úrsula Bischofberger Valdés
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NO ES SÓLO para estuches, camisetas y pantalones, U(F)Os y otras reflexiones sobre arte generativo

Úrsula Bischofberger Valdés
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El arte generativo NO ES para estuches, camisetas y pantalones. Tampoco para crear armoniosas páginas web. Tampoco para multiplicar productos y darles…
El arte generativo NO ES para estuches, camisetas y pantalones. Tampoco para crear armoniosas páginas web. Tampoco para multiplicar…

El arte generativo NO ES para estuches, camisetas y pantalones. Tampoco para crear armoniosas páginas web. Tampoco para multiplicar productos y darles un valor añadido dentro de un mercado siempre ávido. Tampoco es para hacer muestrarios geométricos, ya nos superaron en La Alhambra hace muchos siglos. Tampoco es pura diversión, aunque también.

El tema del arte generativo en sus inicios es el arte generativo. Muchas de las obras de arte generativo son autoexploratorias. Pero esta es sólo una fase en la génesis de cualquier ser, el adolescente que empieza a conocerse a sí mismo (tú, yo), la democracia que empieza a explorarse a sí misma (la Grecia clásica), el cubismo que empieza a explorarse a sí mismo (Braque)… Pero esto pasará.

El tema del arte generativo es copiar la naturaleza. Esto también pasará. Igualmente, es el tema de cualquier técnica artística que se inicia.

El nombre “generativo”. Se podría llamar computacional, generativo, interactivo, procedimental…  Pero: procedimental no puede ser porque qué hay que no lo sea; computacional me hace ver el artefacto, y no sus procesos; interactivas son muchas artes, desde el teatro en adelante, desde los rituales mágicos con las pinturas de las cavernas en adelante; por tanto, y como no se me pide que la llame de un modo u otro, decido utilizar el adjetivo “generativo”.

Generativo. Que tiene virtud de engendrar, generador. Generador eléctrico: transforma energía mecánica, eólica, del tipo que sea… en energía eléctrica. Arte generativo:  humano con sistemas autónomos, humanos y no-humanos en conjunción, transforman el conjunto de reglas de lenguaje natural en otra materia…

Artes generativas. Porque una vez más se multiplican. Las hay formales e informales, geométricas o no geométricas, musicales, textuales, poesía holográfica, gráfica digital… Hay arte caro y arte barato, arte y juegos, y maniobras de multiplicación de mercancías.

Multiplicación de mercancías. Diseño barato, todo tipo de combinaciones para estuches, camisetas o pantalones.

Asignatura troncal. El código debería enseñarse desde la Educación Infantil. En todas las disciplinas. En Arte. En todas las áreas.

Humano y sistemas autónomos. Creo que un humano con una polea es también un humano con un sistema autónomo, pero nunca nos hemos planteado de quién es la autoría de subir el agua del pozo.

Reglas de producción. Aquí creo que está la clave, y para poner reglas hay que saber muchísimo: lo que se quiere conseguir, cómo funciona la herramienta con la que se trabaja. Si hay infinitas variaciones en los resultados, también hay infinitas variaciones en las reglas de producción, desde la primera suma hasta el cálculo de una posible proteína con la inteligencia artificial.

Aspectos básicos y casi invisibles de la vida: repeticiones. Si hay un aspecto básico, esa es la repetición. Repeticiones de células. De átomos. De procesos. De individuos. Patrones. 

Los patrones en la naturaleza son formas claramente regulares encontradas en un medio natural. Estos patrones se pueden visualizar en diferentes contextos e incluso pueden ser a veces modelados matemáticamente. En este ámbito son estudiadas las simetrías, los árboles, los espirales, los meandros, las ondas, la espuma, las teselaciones, las fracturas y las rayas.1​ La concepción moderna de los patrones visibles se ha ido desarrollando gradualmente a través del tiempo.

Aspectos básicos y casi invisibles de la vida: el azar. Si hay un aspecto básico, ese es el azar, la aleatoriedad (creo que son sinónimos). Jacques Monod, El Azar y la Necesidad: lectura pendiente, difícil pero ya muy explicada en Internet. Cita de Demócrito y de Albert Camus en El Azar y la Necesidad. 

Obra como O(V)NI o como U(F)O. La obra resultante del arte generativo es una obra que no es identificada previamente, es un resultado no identificado, no es un objeto volador pero no por no ser volador produce menos estupefacción…

Obra como O(V)NI. Sí, pero como dice Anna Carreras, somos nosotros los que seleccionamos entre los resultados finales. Ahí estamos nosotros. Ahí estan los expertos y su papel crucial en la historia de la humanidad.

Variaciones. La generación de variaciones es una de las características más afines al mercado, y más acordes con la aparente variabilidad de mercancías que, en el fondo, son todo el tiempo la misma. Esta variabilidad es, nada menos, que nuestro líquido amniótico, nuestro día a día, aquello en lo que estamos más cómodos, la misma palmera de todas las islas desiertas que son la misma para el rico, la misma pajita del mismo cocktel aunque varíe el color, los mismos pantalones, el leve cambio de forma en la misma colección, la voz que está en el GPS y en el audio del gran almacen que en el fondo es la misma… Las variaciones sobre el pensamiento único. El “más de lo mismo” que da seguridad y desespera a la vez.

Nicho del arte hoy. El arte generativo es el nicho del arte de hoy, e ignorar el arte generativo sería como si Pai el pintor egipcio hubiera ignorado que había un faraón, o como si un hombre de las cavernas hubiera querido hablar sólo de plantas. Es imprescindible para el artista coger el pincel llamado arte generativo.

Cuestionamiento de la autoría. Tarea pendiente: mirar cuándo empiezan, en realidad, todos los debates sobre la autoría, la muerte del autor, la coautoría etc. porque creo que, en el fondo, tiene que estar la cocreación entre el humano y el sistema autónomo.

Uso de lo accidental. No hay arte que no haga uso de lo accidental, tampoco hay ningún artista que confiese que, en realidad, ese logro cuya autoría fue tan aplaudida fue puramente accidental.

Mercado que satura. Esta generatividad del arte generativo que es utilizada por el mercado para multiplicar el número de mercancías es la parte que tira del arte generativo “hacia abajo”, es el arte generativo al que se pone precio, el arte generativo “barato”. El ser humano al final del proceso (y que lo reinicia), el ser humano que valora el resultado no identificado es el arte generativo que tira “hacia arriba”.

Procesos exploratorios en arte generativo. Horas, y horas, y horas de trabajo científico (quintaesencia de auténtica ciencia) con el código que dan lugar a la inteligencia artificial. El arte generativo requiere, igualmente, horas y horas y horas de trabajo del artista con el código… y los objetos que nos deparará no serán voladores (¿o también?) pero producirán el mismo efecto…

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Estudio con hilos: experimentación con código

Úrsula Bischofberger Valdés
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Estudio con hilos: experimentación con código

Úrsula Bischofberger Valdés
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El estudio de arte da como resultado trabajos a los que llamamos “estudio”. Estos son algunos de los estudios que he realizado…
El estudio de arte da como resultado trabajos a los que llamamos “estudio”. Estos son algunos de los estudios…

El estudio de arte da como resultado trabajos a los que llamamos “estudio”. Estos son algunos de los estudios que he realizado en mi trayectoria durante estos tres años.

Estudio: la col es el sol. “Estudio” que hice en la asignatura de Taller de Dibujo, experimentaba con las luces y las sombras.

Estudio sobre el lenguaje del verde. Aquí experimentaba con un material pictórico nuevo para mí, el pastel,  y con un color, el verde, en la asignatura Taller de Pintura y Color, y con los grados de iconicidad.

Estudio sobre el lenguaje del blanco, aquí me iniciaba en el óleo y sus mezclas, pero no fui disciplinada y me dediqué a hacer cuadriláteros.

Estudio que hice en la asignatura de Seminario de materialidad y tecnología, cuestionándome la perspectiva como parte de la centralidad de lo humano… Fue una experimentación voluntaria en una sola área. Se llamó Estudio: perspectiva de un jerbito. 

Pero en el vídeo que presento al inicio de esta entrada, todo cambia y se produce un corte epistemológico, una revolución francesa, un antes y un después.  Te deja en una perplejidad que no es copiada, que no te la imponen tus maestros, que es una perplejidad en primera persona.

En el vídeo que presento no se estudian las sombras, ni los colores. No se modifica “algo”, como en la foto, en la que solo modifico la perspectiva. Se mueve todo.
En el vídeo que presento al inicio no se cuestiona tanto mi pericia, sino qué se puede conseguir en la interacción que establezco con un “sistema autónomo”, con la máquina. Se cuestiona si yo lo he hecho (¿de verdad yo he sido la autora de esas formas mágicas que han surgido aparentemente solas?), se cuestiona quién puede reproducirlo, el carácter único de la obra de arte (ya que podría tener veinte o treinta copias, todas diferentes y todas similares), se cuestiona si merece un valor o un precio, se cuestionan las cuestiones básicas del arte contemporáneo: autoría, interactividad, espacios, circuitos, valor, todo está entre interrogantes. Digamos que arrasa con todo y vuelta a empezar.

Los temas en disputa son todos los temas del arte contemporáneo, porque yo solo hice, mío, mío, estas dos rayitas
con este código tan sencillo.
Y el resultado ha sido ese que vemos.

Estos son los dos hilos que han dado lugar a esas imágenes.

La tentación es otorgar al código un poder que reside, creo, en un discurso humano que se aproxima a la naturaleza de un modo sin precedentes, incluidos los márgenes de probabilidad que forman parte, también, de la naturaleza, como dice la mecánica cuántica.
Esta sería una propuesta de logotipo para el código.
Pero, ojo, el lenguaje son las matemáticas, y la visión es la del organismo vivo.

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El arte contemporáneo como “estudio”: reflexión personal

Úrsula Bischofberger Valdés
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El arte contemporáneo como “estudio”: reflexión personal

Úrsula Bischofberger Valdés
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Todo el arte habla sobre los “nuevos medios”. Creo que es casi imprescindible para el artista la comprensión de los problemas que…
Todo el arte habla sobre los “nuevos medios”. Creo que es casi imprescindible para el artista la comprensión de…

Todo el arte habla sobre los “nuevos medios”. Creo que es casi imprescindible para el artista la comprensión de los problemas que plantea la máquina a la imagen. Desde que apareció en el horizonte de la cultura la reproductibilidad técnica, toda obra de arte se ha convertido en un “estudio” y habla sobre sí misma y sus condiciones de posibilidad.

Definición convencional de estudio: los pintores realizan “estudios” para entender los problemas que suscita una obra y planear los elementos que terminarán componiéndola, en aspectos tales como la luz, el color, la forma, la perspectiva y la composición.
Definición actual de estudio: los artistas realizan “estudios” para intentar entender los problemas que suscita la obra y planear los elementos que terminarán componiéndola en aspectos tales como creación, autoría y metaautoría, función de la obra artística, espacio en que se produce, cuerpo en que se produce, traspaso de responsabilidad al receptor, traspaso de responsabilidad a la máquina, interactividad, reproductibilidad…

Creo que la mayor parte del arte contemporáneo (dejando a un lado tanto el que es continuidad del arte material y sigue en sus parámetros como el que experimenta con los nuevos medios) es, en realidad, una investigación sobre el propio arte contemporáneo. Pero sólo unos pocos autores han puesto la “bandera” en esas áreas de investigación entendiéndolas y queriéndolas investigar; los que no han tenido experiencia con las máquinas no entienden la realidad y concreción de su origen.

No sólo son cuestiones en torno al arte, son cuestiones que son objeto y temática del arte contemporáneo la comprensión del espacio como problema, de la interactividad como objetivo, de la autoría como gran reto, de la compatibilidad entre autoría y reproductibilidad, de la coautoría, de la recepción de la obra, de la responsabilidad última de la humanidad, de la compatibilidad de la inteligencia artificial y la humana, del cuerpo y la máquina, de la separación entre disciplinas artísticas, de la naturaleza del arte en nuestros días.

El arte contemporáneo usa arte para intentar comprenderse a sí mismo, y convierte en temas sus propios problemas. Todas estas cuestiones están siendo tratadas por los artistas, desde Nam June Paik hasta el último diseñador digital, en “estudios”, una y otra vez. Todas estas cuestiones no sólo no se entienden por parte de quienes no se cuestionan los medios: ni siquiera se las plantean.

Muchos de los artistas del arte contemporáneo son copistas. Copian la preocupación y la convierten en supuesta preocupación, copian los formatos, copian las supuestas reflexiones o soluciones de las “paletas” de soluciones que otros artistas plantean, copian el “tono de solemne preocupación”, y copian un discurso sobre el arte que, distorsionado por la falta de comprensión última de su realidad, se vuelve incomprensible, tedioso, aburridísimo en general, interesante sólo para quienes quieren hacerse sitio en el mundo del arte.

Muchos de los artistas del arte contemporáneo seguirán siendo copistas mientras no se acerquen al arte computacional y a los problemas que plantea. Porque los problemas del arte computacional son los problemas del arte contemporáneo. 

El arte computacional muestra, transparentes, todas las áreas de problemas del arte contemporáneo. Por eso, mientras no se promueva en las escuelas de Bellas Artes una formación sólida en código, arte computacional y filosofía, los artistas contemporáneos serán ciegos copistas, como en Saramago (1995) Ensayo sobre la ceguera, un colectivo ciego que recorrerá parajes que desconoce, que balbuceará jergas que comunicarán poco, que ostentará la seriedad rígida que confiere la inseguridad, que terminará cayendo en el descrédito mientras aquellos que están bajo el paraguas del mercado se hacen con todos los secretos y todas las mercancías.

El menú para el artista tendría que tener su base en dos áreas, que fructificarían y permitirían, de verdad, la expansión del arte: el código y la filosofía. En el fondo, es un menú de lo más clásico: matemáticas (recordemos que el libro de la naturaleza está escrito en lenguaje matemático) y lenguaje (¿qué es la filosofía, sino el repositorio lingüístico de categorías más elevado que tiene la cultura para aproximarse a una realidad que se ha construido a través de este repositorio desde sus inicios?).

Para saber lo que es el arte digital, lo que implica saber qué es el arte (todo el arte) hoy, no basta con mirar arte digital, interactuar con arte digital ni estudiar arte digital. Para saber arte digital hay que empaparse de código, llorar, pelearse con él, sorprenderse, volver a valorar la dificultad en el uso de la herramienta, enfrentarse a los que la trivializan, mojarse,  pero sobre todo sentarse delante del ordenador y empezar a escribir y a hacer cálculos mientras las imágenes que la naturaleza guarda en sus recodos, en sus cuevas secretas, como las sirenas de Odiseo, nos intentan seducir mientras nosotros, firmes, atados al mástil, seguimos con nuestras líneas de código…

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Primeros pinitos en Snap! Borrones

Úrsula Bischofberger Valdés
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Primeros pinitos en Snap! Borrones

Úrsula Bischofberger Valdés
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Hoy por fin he hecho un trabajo que se ha caracterizado por tres cosas: – Uno, sabía lo que iba haciendo (casi) – Dos, me gustaba el resultado. – Tres, me daba cuenta de las potencialidades de la herramienta. He leído en los apuntes de programación (en mis palabras) que muchos de los fallos con los que se topan los programadores proviene del propio software, de las sucesivas revisiones y formas de rehacerlo una y otra vez… Referente valiosísimo: mis…
Hoy por fin he hecho un trabajo que se ha caracterizado por tres cosas: – Uno, sabía lo que…

Hoy por fin he hecho un trabajo que se ha caracterizado por tres cosas:
– Uno, sabía lo que iba haciendo (casi)
– Dos, me gustaba el resultado.
– Tres, me daba cuenta de las potencialidades de la herramienta.

He leído en los apuntes de programación (en mis palabras) que muchos de los fallos con los que se topan los programadores proviene del propio software, de las sucesivas revisiones y formas de rehacerlo una y otra vez…

Referente valiosísimo: mis amargas experiencias previas

¡Menos mal que pasé por Adobe! Ahora valoro muchísimo el arrojo que tuve al acercarme con tanto ímpetu a lo que llamo el “software de marca”, y si me alegro tanto de usar esta herramienta de software libre es gracias a mis muy amargas experiencias previas:

– Una, porque es gratuita. Firme un contrato de un año con Adobe para usar After Effects y Premiere, pero pagaba toda la suite sin tener ni idea… Tuve que seguir pagando Adobe sin usarlo hasta que, un buen día, me llamaron y me dijeron que no hacía falta que pagara más.
– Dos, porque no se me estropea. Previamente, me había descargado una versión en Artista pirata, que tal vez interactuó cuando me descargué la nueva. Con posterioridad, un listillo le tocó las tripas a mi Ae metiéndole el Duik para “hacerme el favor”, y desde aquel día se me colgaba el ordenador…
– Tres, por el fácil almacenamiento: ahora lo estoy guardando todo en la nube de Snap! Con Ae (After para los amigos, yo nunca lo fui) se me saturaron las nubes pero no quise pagar más nubes, así que mi mundo virtual estaba como la habitación del niño después de un cumpleaños.
– Cuatro, porque veo lo que hago, hay espacio. Cómo odiaba el espacio de trabajo de After Effects, donde apenas veía, estrecho, incómodo, patético.
– Quinto, no es una herramienta sectaria. No caer en una operación matemática fastidia, pero no tiene ni punto de comparación con la desesperación por la exclusión que sentía con Ae, dónde los compañeros compartían, sí: pero compartían guiños del bagaje previo que tenían (convenciones, lenguaje, lugares en el espacio de trabajo…), aspectos inaccesibles de inmediato para los de fuera; de modo que esa colectividad se convertía en una especie de secta con secretos comunes a unos pocos.
– Sexto, el lenguaje matemático es universal [o casi universal] frente a arbitrariedad de las convenciones del lenguaje de Ae: mocha, mate, incrustación, distorsionar, obsoleto, Boris, qué sé yo… no quiero excederme en las comparaciones, pero como dice Goya, el sueño de la razón produce monstruos. Listados interminables de efectos, cada uno con un número indeterminado de variables. Convenciones, convenciones fuera de toda lógica comprensible (sólo comprensibles para los que comparten genealogía) que me resultaban imposibles de memorizar, y a las que no deseaba dedicar mi vida.
– Séptimo, descubriré pausadamente sus posibilidades. En las herramientas prefabricadas hay cientos de posibilidades maravillosas y tú, convertido en Jack Nicholson, corriendo con tu hacha por el laberinto porque justo cuando quieres esa posibilidad no hay manera de encontrarla.
– Octavo, no he mirado, por ahora, referentes más que los que me han dado, voy improvisando. En cambio con las otras herramientas es copiar o morir. Para saber que existe algo (un efecto, una posibilidad etc.) te la tienen que desplegar visualmente antes. Eso no pasa con la programación, por ejemplo mi obra Sencillamente lana no existía en ningún sitio, ni siquiera en mi cabeza, antes de hacerla yo.

Risa y pena, además de rabia

Aspecto de risa: la verdad sobre el diente que me falta es que me lo rompí a la salida de una de las clases de Ae, estaba tan rabiosa que me compré un pack de salmón ahumado envuelto en plástico duro e intenté romper el plástico duro de un tirón, un tirón muy rabioso también. Ahí se quedó mi diente, víctima de After Effects.

Cuántos verdaderos artistas, como mi profesor de esta herramienta (con el que me tuve que pelear, claro… y al que pido humildemente disculpas desde aquí), cuántos artistas han desfallecido peleándose contra esos muros; muros de Adobe no, de hormigón armado. El era un auténtico artísta. Cuántas personas han sido pisoteadas por su propia herramienta que, como un cangrejo furioso, se ha pasado la vida pellizcando esas hermosas ideas que él desplegaba, como sueños que habían conseguido nacer sin ser sofocados. ¡Te aprecio mucho, profesor! Sobre todo, los trabajos con las letras, y esa letra que caía… o las bandas movidas por el viento…

– Y noveno: “es muy fácil”. A la IA también le han enseñado esta absurda expresión, me refiero a Copilot. “Es muy fácil”. Cómo odio esa expresión, y yo creo que nunca la he usado, porque es una expresión que denota una falta total de empatía.

El futuro está aquí: eso es absolutamente indudable

Está claro que el arte digital (no sé muy bien, todavía, usar otras especificaciones) es el futuro. Está claro que la historia del software ha sido corta pero intensísima. Está claro que la programación de alto nivel es una tarea intelectual de una envergadura descomunal con la que la mayoría no podemos ni queremos. Pero hay niveles… Y yo creo que hay que ir rellenando de abajo arriba bien y con orden, y las herramientas de programación creativa están por explorar. Es muy cómodo criticar el calentamiento global pero no separar la basura cuando la tiras (eso hago yo, muchas veces no la separo por vagancia). Es muy cómodo criticar a Elon Musk pero usar Photoshop. Yo invito a mis admirados compis latinos que compartían la clase de Ae (en la que voceé, lloré, me soné y hasta me rompí el diente) a probar la programación creativa, y a mis compañeros artistas de la UOC a confiar en ella… Yo misma voy a insistir y lo voy a conseguir.

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